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Lost: translation

Lost: translation

Richard Lea goes in search of the literary world disappearing from the map because of English publishers' resistance to books from other countries

Friday November 16, 2007
Guardian Unlimited



UN translators
The English-speaking world won't listen ... translators at the UN. Photograph: Daniel Garcia/AFP

A glamorous award ceremony at London's South Bank Centre. A scintillating array of international talent. An intellectual superstar as keynote speaker and prizes worth £16,000. You can almost see the flashbulbs popping and the reporters' microphones crowding in - but you'll be hard pressed to find any mention of last week's translation prizes on the front pages.

For the last seven years, the Society of Authors has been bundling all of their translation awards into one annual splurge in an attempt to raise their profile.

"These prizes celebrate the best of the work of literary translators, and at the same time generate further interest in translated books and literary translation," explains the society's awards secretary, Paula Johnson. But it's an uphill struggle. "If you look at review pages, you don't see translated fiction taking up an enormous amount of space."

It's not just a question of column inches. In any library or bookshop, the vast majority of books on the shelves are by authors writing in English. In stark contrast to publishing throughout the rest of the globe, translated fiction accounts for only a tiny fraction of the books published in the English-speaking world. In Germany 13% of books are translations. In France it's 27%, in Spain 28%, in Turkey 40% and in Slovenia 70%, but in Britain and America the best estimates suggest that the fraction of books on the shelves which started off in another language is somewhere around two per cent. One measure of the lack of interest in translated literature from both government and the industry is that Britain is the only country in Europe that doesn't produce any statistics on translation.

It's a state of affairs described by translators as "shocking", "pathetic", "scandalous". And according to Esther Allen, the executive director of Columbia University's Centre for Literary Translation, the crisis may be even deeper in fiction. "The number of novels being published in translation is ridiculously small - in the hundreds each year," she says. "If you sort out the authors who are already globally validated - Nobel winners and so on - and the retranslations of the classics, then it's absurd."

Translators also suffer from a lack of status, a situation reflected in the fact that only two of the Society of Authors' seven winners work as translators full time. Translation is considered by many universities to be insufficiently significant or original to add lustre to an academic CV, while publishers routinely sweep evidence of translation off the covers of books. "It's weird," says Allen. "There's no stigma attached to being an actor rather than a playwright, or a pianist rather than a composer, but there's this horrible stigma attached to being a translator." Translations are often seen as second best because they are interpretations of an author's work, but as Allen says, "It's like saying 'I'm not going to see Hamlet because Shakespeare's not playing it'."

"As you can imagine," says one of last week's winners, Sarah Adams, "literary translation isn't a great way of making a living." Even though most translations are of authors with a high profile in their own cultures, according to Adams, many publishers are unwilling to support translated fiction. "Most publishers get a grant to do the translation, print a run of 5,000 copies and then wash their hands of it." Publishers seem to think that translated books are difficult to sell, she continues. "By and large, if you can make people think it's homegrown - great."

It's a point that Bloomsbury's Bill Swainson, an enthusiast for literature in translation who published WG Sebald at Harvill and now publishes the Spanish winner of the 2004 Independent foreign fiction prize, Javier Cercas, accepts to some extent. However, he claims that the difficulties of commissioning foreign literature are often overplayed.

"Every publisher who's publishing a wide range of literature from around the world has their own ways of dealing with it," he says. He relies on a wide network of "like-minded" publishers in Europe and America, readers who are sometimes also translators, scouts and journalists to find the books worth looking at. When acquiring a book, he typically prepares a synopsis, extracts of the original, translated extracts and something about the author and the book's reception in the original language - a package which compares favourably with the information provided by literary agents for many authors writing in English. He's "sceptical" of figures suggesting that only around two per cent of books in the UK are translations. "I think the way to look at it is: 'Are the good books coming out in the rest of the world finding their way into English, and in good translations?'," he suggests. "And I think the answer is, 'Yes, a great many are'."

Allen is less optimistic. "I don't think anyone doubts in the slightest that there are very good books being very well translated into English," she responds, "and I totally admire the editors who are bringing them out. But it's hard to deny that there are extreme barriers to publication of translations."

She herself spent three years in the early 1990s seeking a publisher for her own translation of Rosario Castellanos's The Book of Lamentations (Oficio de Tiniebras) about an indigenous revolution in Chiapas. First published in 1962 and never out of print since, this Mexican classic was championed by Carlos Fuentes and cited as extremely important in the New York Times Book Review. "None of that mattered," she continues. "No US publisher wanted to have anything to do with it. I subsequently discovered that people had been trying for 20 years to get it published in English. I finally found a publisher in 1992, after Subcomandante Marcos obligingly led a revolution in Chiapas - making the book 'relevant'. If he hadn't, I doubt it would ever have come out in English - it's now a Penguin Modern Classic."

According to Allen, there's even a danger that the dominance of English-language publishing is putting other languages and literary cultures at risk. Ninety-six per cent of the world's languages are spoken by just four per cent of the world's population, she says. "Eco-linguists like David Crystal have started talking about a world in which there's essentially one language," she says, "which seems absurd, but when you look at the statistics on minority languages the situation is grim."

The combination of financial and linguistic muscle that English wields puts writers in other languages under enormous pressure. Creative writing schools in the UK and America are now seeing writers already published in their own languages enrolling for writing courses in English, a solution to the problems of getting translated which leaves the language they leave behind in deeper trouble.

Allen cites the example of Vassilis Alexakis, the winner of this year's Académie Française grand prix du roman, who writes in French rather than his native Greek. While the question of which language to write in is an intensely personal decision made under enormous pressure, she finds it "completely amazing" that a writer "with that kind of linguistic heritage should choose to write in French [partly] because otherwise no one would know of his work".

It seems undeniable that publishers have, at best, an ambivalent attitude to works in translation. Indeed, according to Christopher MacLehose, publisher at Harvill Press for 21 years, mainstream publishers have a ready excuse for ignoring literature from around the world.

"The idiotic notion is that there's enough being written in English," he says, "so you don't have to bother." English is so generally spoken that it's possible to read very widely and not notice that you're only reading books written in one language. Another excuse is that author and translator must both be paid, which is, according to the director of the British Centre for Literary Translation, Amanda Hopkinson, the prime reason for publishers' "resistance" despite "opportunities for funding within the UK and the EU which they're not taking advantage of".

But for Peter Ayrton, the founder of Serpent's Tail, the larger houses have it backwards: a foreign author can be a strength. "There's a general perception in the trade that these books can be difficult to sell," he says, "and as long as that persists it's a self-fulfilling prophecy." The popularity of international travel demonstrates an appetite for something a little different, he suggests, so translation is not "something you hide. If you're publishing a book from Istanbul or Barcelona you want to make it clear that's what it is. There'd be no point in packaging it as if it's from Middlesbrough." He feels that the situation has reached some kind of turning point. "It's getting easier to the extent that it can't get any more difficult," he says.

There are "encouraging signs" agrees Allen. "It's been in crisis for so long, and now people have begun to do something about it." She points to a National Endowment for the Arts survey in 1999 as the turning point in the US, a low point which sparked new presses, new departments of translation and PEN's World Voices, an international literary festival based in New York she helped to found in 2005. "This notion of an indifference to translation has been completely belied by our festival," she says, "which attracted huge audiences and was hugely successful."

In the UK, Hopkinson also detects "positive signs", identifying a "groundswell of opinion from the grass roots ... which we should be taking notice of".

For Hopkinson, translation is a crucial tool for promoting mutual understanding. "We shouldn't be discussing other cultures through English culture," she says, "we should be discovering their own cultures, what they have to say for themselves."

Swainson, on the other hand, has "never really thought of [publishing literature in translation] as a duty." After all, writers such as Bulgakov, Solzhenitsyn and Pasternak were the ones who first sparked his love of literature. "There's such wonderful writing out there that it's not a hardship posting. It's a pleasure and a privilege."

Like Swainson, MacLehose is keen to stress the quality of translated fiction, suggesting that you could do worse than only read literature in translation. "It has all been through not just one filter," he explains, "through not just the Spanish or Italian editor, but also one in the UK, and then the best editor of all: the translator. Think how good the books must be." He is shocked when asked to justify the importance of translation to our literary culture, lamenting the fact that "we live in a world where you can in all seriousness ask that question."

"What is important," he continues, "is that some of the greatest minds, the wittiest of minds don't happen to be born in Manchester or Hampstead. We're living in a world, not in a village for God's sake!" He believes that the time is ripe for the pendulum is "to swing the other way". Hopkinson, who has devoted 30 years of her professional life to promoting literature in translation, is a little less sanguine. "We live in hope," she says.


Fifty Writing Tools: Quick List

Fifty Writing Tools: Quick List

Use this quick list of Writing Tools as a handy reference. Copy it and keep it in your wallet or journal, or near your desk or keyboard. Share it and add to it.

I. Nuts and Bolts

1. Begin sentences with subjects and verbs.
Make meaning early, then let weaker elements branch to the right.
2. Order words for emphasis.
Place strong words at the beginning and at the end.
3. Activate your verbs.
Strong verbs create action, save words, and reveal the players.
4. Be passive-aggressive.
Use passive verbs to showcase the "victim" of action.
5. Watch those adverbs.
Use them to change the meaning of the verb.

6. Take it easy on the -ings.
Prefer the simple present or past.

7. Fear not the long sentence.
Take the reader on a journey of language and meaning.

8. Establish a pattern, then give it a twist.
Build parallel constructions, but cut across the grain.

9. Let punctuation control pace and space.
Learn the rules, but realize you have more options than you think.

10. Cut big, then small.
Prune the big limbs, then shake out the dead leaves.

II. Special Effects

11. Prefer the simple over the technical.
Use shorter words, sentences and paragraphs at points of complexity.

12. Give key words their space.
Do not repeat a distinctive word unless you intend a specific effect.

13. Play with words, even in serious stories.
Choose words the average writer avoids but the average reader understands.
14. Get the name of the dog.
Dig for the concrete and specific, details that appeal to the senses.

15. Pay attention to names.
Interesting names attract the writer – and the reader.

16. Seek original images.
Reject clichés and first-level creativity.

17. Riff on the creative language of others.
Make word lists, free-associate, be surprised by language.

18. Set the pace with sentence length.
Vary sentences to influence the reader's speed.

19. Vary the lengths of paragraphs.
Go short or long -- or make a "turn"-- to match your intent.

20. Choose the number of elements with a purpose in mind.
One, two, three, or four: Each sends a secret message to the reader.

21. Know when to back off and when to show off.
When the topic is most serious, understate; when least serious, exaggerate.

22. Climb up and down the ladder of abstraction.
Learn when to show, when to tell, and when to do both.

23. Tune your voice.
Read drafts aloud.

III. Blueprints

24. Work from a plan.
Index the big parts of your work.

25. Learn the difference between reports and stories.
Use one to render information, the other to render experience.

26. Use dialogue as a form of action.
Dialogue advances narrative; quotes delay it.

27. Reveal traits of character.
Show character-istics through scenes, details, and dialogue.
28. Put odd and interesting things next to each other.
Help the reader learn from contrast.

29. Foreshadow dramatic events or powerful conclusions.
Plant important clues early.

30. To generate suspense, use internal cliffhangers.
To propel readers, make them wait.

31. Build your work around a key question.
Good stories need an engine, a question the action answers for the reader.

32. Place gold coins along the path.
Reward the reader with high points, especially in the middle.

33. Repeat, repeat, repeat.
Purposeful repetition links the parts.

34. Write from different cinematic angles.
Turn your notebook into a "camera."

35. Report and write for scenes.
Then align them in a meaningful sequence.

36. Mix narrative modes.
Combine story forms using the "broken line."

37. In short pieces of writing, don't waste a syllable.
Shape shorter works with wit and polish.

38. Prefer archetypes to stereotypes.
Use subtle symbols, not crashing cymbals.

39. Write toward an ending.
Help readers close the circle of meaning.

IV. Useful Habits

40. Draft a mission statement for your work.
To sharpen your learning, write about your writing.

41. Turn procrastination into rehearsal.
Plan and write it first in your head.

42. Do your homework well in advance.
Prepare for the expected -- and unexpected.

43. Read for both form and content.
Examine the machinery beneath the text.

44. Save string.
For big projects, save scraps others would toss.

45. Break long projects into parts.
Then assemble the pieces into something whole.

46. Take interest in all crafts that support your work.
To do your best, help others do their best.

47. Recruit your own support group.
Create a corps of helpers for feedback.

48. Limit self-criticism in early drafts.
Turn it loose during revision.

49. Learn from your critics.
Tolerate even unreasonable criticism.

50. Own the tools of your craft.
Build a writing workbench to store your tools.

To purchase a copy of "Writing Tools: 50 Essential Strategies for Every Writer,"
FONTE WWW.poynter.org

Arts funding row over sex orientation demands

 

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From
April 2, 2008

Arts funding row over sex orientation demands


A production of Kebab

Theatreland will have to give up its bedroom secrets in the quest for funding, under new Arts Council requirements. Organisations applying for grants are being asked to state how many board members are bisexual, homosexual, heterosexual, lesbian or whose inclinations are "not known".

Audrey Roy, the director of grants, said that the council needed to understand who its audience was and to whom its funding was going. "We see diversity as broader than race, ethnicity, faith and disability," she said. Question 22 of the Grants for the Arts forms, relating to sexual orientation, was not compulsory, she added, although the form states that it must be answered.

The question caused anger and bemusement among leading figures of the arts world yesterday. The Oscar-nominated actor Sir Ian McKellen, who is openly gay, said: "It sounds extraordinary. It shouldn't be on a form. It's quite inappropriate."

Vanessa Redgrave, the actress and human rights campaigner, said: "Everyone should put down 'trisexual', whoever you are. Britain has become the world's leading population of trisexuals."

Michael Frayn, the author of the farce Noises Off, suggested boxes to "specify how many members are longsighted or shortsighted, how many wear black socks or brown socks".

Christopher Hampton, whose adaptation of God of Carnage is showing in the West End, said: "It's bureaucracy and political correctness gone mad."

The application form notes that the question is for government purposes only and will not enter into the grant decision, but that claim was contradicted by the Department for Culture, Media and Sport.

Its spokesman said: "We appreciate that, as a responsible public body they need to monitor their overall grant-making programmes. But it is absolutely not the case that sexual orientation monitoring is a government requirement."

Condemnation of the question spanned the arts. Julian Spalding, the former director of galleries and museums in Sheffield, Manchester and Glasgow, said: "I can't see what relevance it's got. It's a horrible invasion into one's personal and private life." He added: "What they like to do in bed is not the Arts Council's business."

Maggi Hambling, the painter who describes herself as "queer", said: "It's insidious, insulting and quite outrageous for the Arts Council to consider anyone's sexual orientation of any kind to be their business. It appears to be somewhat Hitlerian in its suggestion that grants will be given if, among the applicants, there is a nice smattering of dykes and queers."

Nicolas Kent, the artistic director of the Tricycle Theatre in London, said: "This is ridiculous. It has no relevance. The Arts Council is prone to huge overregulation, as seems to be the case with the whole of society. But the Arts Council has caught it very badly. They should advance the arts instead of ticking every box they invent."

Referring to the recent protest over the council's decision to cut the grants to prominent companies, Simon Callow, the gay actor, said: "The Arts Council comedy continues. What is difficult is to divine to what conceivable use they could put this information. I love the presence of a category for the Not Known — a despicable heresy, surely, in 2008?"

Almost a year ago James Purnell, then the Culture Secretary, vowed to relieve arts organisations of the burden of meeting "crude targets" as a condition of funding. Yet the Arts Council's application form also asks about ethnic backgrounds.

The council said that the answers were confidential and exempt from release under the Freedom of Information Act. It said that it does not issue guidelines on how to persuade board members to reveal details of their sex lives.

Não à reforma - MIA COUTO

Isto É, 16/09/07



Não à reforma ortográfica
Um dos grandes autores da língua portuguesa, o moçambicano critica a uniformização do português e, ex-militante marxista, diz que não sabe mais o que é ser de esquerda

Por JONAS FURTADO



KARIME XAVIER/AG. ISTOÉSócio-correspondente da Academia Brasileira de Letras, o moçambicano Mia Couto é um dos maiores escritores contemporâneos africanos e da literatura de língua portuguesa. É o autor de seu país mais traduzido no mundo e, só em Portugal, seus livros somam quase meio milhão de exemplares vendidos. No final de agosto, ele veio ao Brasil para a 12ª Jornada Nacional de Literatura, em Passo Fundo (RS). Sua mais recente obra, O outro pé da sereia, ganhou o 5º Prêmio Passo Fundo Zaffari & Bourbon de Literatura, pelo melhor romance publicado em língua portuguesa nos últimos dois anos. A vitória valeu um prêmio de R$ 100 mil. Couto também é biólogo e dirige uma empresa de estudos de impacto ambiental em Moçambique, um dos 20 países mais pobres do mundo, onde metade da população é analfabeta.

Filho de portugueses, Couto era militante da Frelimo (Frente de Libertação de Moçambique) e lutou pela independência do país contra Portugal (1964-74). Foi um dos compositores do hino nacional de sua pátria e trabalhou para o governo durante a guerra civil (1976-92). Embora um pouco desapontado com os rumos tomados pela Frelimo, que abandonou o marxismo em 1990, ele ainda se diz simpático ao agora partido político, que continua no poder em Moçambique. Couto é um escritor acostumado aos prêmios. Neste ano, tornou-se o primeiro africano a vencer o União Latina das Literaturas Românticas, entregue em Roma, e seu primeiro romance, Terra sonâmbula, foi eleito um dos 12 melhores livros de toda a África no século XX. Fã dos escritores brasileiros, ele é, assim como Guimarães Rosa, um inventor de palavras – que, quando vêm à cabeça, anota em papéis e guarda no bolso para não esquecer.

ISTOÉ – Muitos grandes escritores esnobam os prêmios de literatura. O sr. gosta de ganhá- los?
Mia Couto – Gosto (risos). Todos gostam. Os que dizem que não estão representando. Mas uma coisa é gostar e outra é a importância que damos para isso. Evidentemente quem escreve não o faz para ganhar prêmios. Pobre do escritor que escreve em função disso. Dessa maneira, não se faz um bom livro nem se ganham prêmios.

ISTOÉ – Quando e por que começou a inventar palavras?
Couto – É uma coisa que me acontece, meus pais sempre lembram disso, desde menino – uma certa desobediência em relação àquilo que era norma. Começa pelo meu próprio nome. Nasci António e, quando tinha dois anos e meio, decidi que queria me chamar Mia, pela relação de afeto que tinha com os gatos. Eu pensava que era um deles (risos). Mais tarde, a poesia foi uma escola de desobediência, de transgressão. E havia uma outra condição: o português de Moçambique, sendo o mesmo do de Portugal, não fala àquela cultura. Senti desde sempre a necessidade de desarranjar aquela norma gramatical, para deixar passar aquilo que era a luz de Moçambique, uma cultura de raiz africana. A descoberta dos escritores brasileiros foi uma felicidade imensa para mim, pois eles já estavam fazendo isso: usando a língua portuguesa, mas com uma outra marca cultural.

ISTOÉ – Há um interesse crescente por literatura africana. Existe uma nova safra de talentos ou o mundo abriu os olhos para os escritores da África?
Couto – Acho que os escritores africanos têm ganho espaço da maneira certa, não por solidariedade política ou alguma outra condescendência. Estão entrando por seu valor literário. No princípio, acho que foi uma questão de moda. Em um primeiro momento, os africanos querem se afirmar pelo lado exótico, folclórico – se apegam nessa alma que lhes foi entregue pelos europeus e assumem um olhar emprestado da Europa. Esse momento passou, os escritores africanos hoje estão mais libertos, já não precisam mais fazer afirmações contra o colonizador nem proclamar sua africanidade. O escritor africano está fazendo alguma coisa que é profundamente universal. Ele está fazendo literatura, ponto final.

ISTOÉ – Moçambique é um dos cinco países que ainda não assinaram a proposta de reforma ortográfica para a língua portuguesa. O sr. é a favor da reforma?
Couto – Não. Não faço guerra contra a reforma, mas acho absolutamente absurdo o fundamento da necessidade de fazê-la. Evidente que é uma coisa convencional, não vai mudar a fundo as coisas, mas as implicações que isso tem do ponto de vista econômico acabam sempre por sobrar para os países mais pobres. Com esse dinheiro pode se fazer coisas mais importantes como, por exemplo, ampliar o conhecimento que temos uns dos outros. Circulo por São Paulo e grande parte das pessoas nem sabe o que é Moçambique. Nunca tive dificuldade em ler livros escritos na grafia brasileira; muito pelo contrário, me satisfaz muito haver essa diferença. No fundo, há uma familiaridade e uma estranheza que são importantes de estar registradas. Acho que a reforma não faz sentido, não subscrevo.

BRUNO VEIGA
"Chico Buarque como escritor atingiu a mesma excelência como músico, sobretudo em Budapeste. Chico me marcou muito como poeta"

ISTOÉ – O escritor Lobo Antunes disse, em uma entrevista recente, que no futuro o português será um dialeto e todos falarão inglês. O sr. concorda?
Couto – Não sou tão pessimista assim (risos). Vivo num país em que o bilingüismo, e até o trilingüismo, é patente. A capacidade humana está aberta para isso. Noventa por cento dos moçambicanos falam duas línguas: a materna e o português. Línguas não são apenas coisas técnicas, remetem a outras lógicas. Nós, humanos, sobrevivemos porque fomos criadores de diversidade. Essa característica terá que sobreviver ou nós não sobreviveremos.

ISTOÉ – Na mesma entrevista, Antunes ironizou José Saramago. Há outros casos notórios, como o de Vargas Llosa e García Márquez, que não se suportam. Por que há rivalidade entre grandes escritores?
Couto – Alguns casos que conheço são ódios verdadeiros – foram alimentados e não têm solução. Mas isso é uma coisa profundamente humana, esse sentimento de ciúme, inveja, sentir-se malamado. Essas rivalidades são um bocado induzidas pelo contexto em que vivemos, que apregoa a competição. Há um céu suficientemente grande para todas as estrelas. Além do que, o escritor só vence a si próprio: ele é um vencedor quando, perante a página em branco, é capaz de superar essa solidão.

ISTOÉ – Como estimular o gosto pela leitura?
Couto – É preciso entender que os meninos estão deixando de ler os livros porque estão deixando de ler o mundo, de ser capaz de ler os outros, de ler a vida. Estão perdendo a disponibilidade de estar aberto aos demais, estar atentos às vozes, saber escutar. Há toda uma pedagogia que é preciso ser feita no conjunto. Não se pode isolar o livro e torná-lo como se fosse bandeira única desta luta. Uma coisa que aprendo na África é esta habilidade de se contar histórias e fazer com que o livro seja uma maneira de estimular, que os meninos não sejam só consumidores de história, mas também produtores de história. Quem não sabe contar uma história é pobre de alguma maneira.

ISTOÉ – O que do Brasil faz sucesso em Moçambique?
Couto – As novelas, em primeiro lugar. Têm uma capacidade de penetração e de assimilação enorme. Isso produz efeitos claros no campo lingüístico. Logo após a independência, amigos meus, refugiados da ditadura brasileira, queriam dar aulas de português em Moçambique e não eram bem vistos, por não falarem o português autêntico. Isso mudou completamente: hoje um professor brasileiro que dê aulas de português em Moçambique é bem-vindo, é algo charmoso. Isso se deve muito às novelas. Há também algo da música mais popular brasileira que faz sucesso, como Roberto Carlos, Roberta Miranda, aquelas duplas sertanejas. Mas também algo mais, digamos, sofisticado, como Chico Buarque e Caetano Veloso, tem uma grande aceitação.

ISTOÉ – A obra de Chico Buarque como escritor já atingiu a mesma excelência do que como músico?
Couto – Sim, sobretudo em Budapeste. Chico me marcou muito como poeta. Gosto tanto dele que não sou imparcial para julgar uma pessoa como Chico.

ISTOÉ – A paz em Moçambique é de fato duradoura? A democracia não corre riscos?
Couto – Acho que se vive em paz e que um certo tipo de democracia está estabelecida. O que não se resolveram foram as questões básicas, como a fome, porque ainda há tensões sociais profundas em Moçambique – e diria também no Brasil e em outros países. E essas tensões podem em algum momento ser aproveitadas politicamente por alguém com grande ambição de poder e que faça esse jogo de manipulação para alcançá-lo.

ISTOÉ – O sr. lutou pela independência de seu país contra a pátria de seus pais. Houve dúvida, da sua parte, em algum momento?
Couto – Sim, havia dúvida, mas meus pais tiveram uma grande generosidade nesse aspecto: mesmo sendo portugueses, eles me criaram como sendo parte de Moçambique. E perceberam que eu estava sacudindo o pilar de um edifício que, um dia, ia cair também em cima deles. Reconheço isso como uma grande dádiva dos meus pais. Minhas dúvidas já estavam resolvidas quando era adolescente.

ISTOÉ – Chegou a pegar em armas?
Couto – Não me deixavam. A Frelimo era uma frente, portanto havia também um componente racista muito forte. Diziam que os brancos moçambicanos podiam lutar, mas que não podiam confiar tanto neles a ponto de dar-lhes uma arma. Os brancos, indianos e mestiços não podiam pegar em armas: podiam combater, como fiz, na área política, do ensino.

ISTOÉ – As minas terrestres ainda amedrontam a população no interior do país?
Couto – Circulo pelas zonas rurais e esse terror de algum dia pisar em uma mina está presente de maneira intensa. Sei o que é ter esse medo. Nós não sabemos exatamente quantas minas terrestres ainda temos. Mas o número oficial provavelmente é maquiado, porque a desminagem é um negócio. Muitas vezes as próprias empresas produtoras de minas fazem a desminagem, e ela custa mais caro ao país do que comprar minas. Mas mesmo que não sejam dois milhões de minas, que sejam mil: essas mil já são suficientemente graves. Estranho é os países que falam em nome dos direitos humanos, e que se arvoram como grandes defensores de uma certa humanidade contra o terrorismo, se recusarem a assinar os protocolos contra a fabricação de minas.

CANADIAN PRESS PHOTO
"Imagino que Fidel não gostaria de saber que deu vestidos a um homem. Mas estou acostumado. Esperam uma negra e se espantam quando apareço"

ISTOÉ – No Brasil, militantes de esquerda estão desapontados com o governo Lula. O poder realmente transforma as pessoas?
Couto – Não quero falar do Brasil, mas há todo um discurso político que mudou – provavelmente ele não era tão verdadeiro quanto se pensava, era assumido como um discurso da boca para fora. Há um verso de um poeta moçambicano da Frelimo que ilustra isso muito bem. "Não basta que seja pura e justa a nossa causa; é preciso que a pureza e a justiça existam dentro de nós." Faltou isso em muitos dirigentes políticos. Por outro lado, também é verdade que quem está no poder tem que entrar numa lógica de gestão, na qual é muito difícil perceber onde está o limite entre a traição do princípio e o momento de adaptação ao mundo real. Isso é muito difícil de gerir. Vivi esse processo porque eu era da Frelimo, da oposição, e pensava que a conquista do poder seria o fim do poder – no sentido que todos teriam o poder.

ISTOÉ – Concorda com a afirmação de Lula que ser de esquerda é apropriado apenas para os jovens?
Couto – Seria triste pensar que é uma questão etária estar disposto e desejoso para mudar o mundo. Hoje já não sei o que é ser de esquerda, e provavelmente a própria esquerda não saiba o que ela é. Mas essa disposição, essa vontade de mudar o que está errado no mundo têm que ser permanentes.

ISTOÉ – Como divide seu tempo entre a biologia e a literatura?
Couto – Ser escritor é viver a escrita como uma forma de olhar o mundo. Portanto, sou sempre escritor, mesmo quando trabalho como biólogo. Para mim, a biologia é uma porta, uma janela que me permite falar com as pessoas, ir para o campo e receber histórias. Nunca sou simplesmente só uma coisa.

ISTOÉ – Durante uma visita diplomática a Cuba, os assessores de Fidel Castro presentearam- no com artigos femininos, já que, pelo seu nome, esperavam uma mulher. Algum dia Fidel se desculpou?
Couto – Acho que o próprio Fidel nunca soube. Imagino que ele não gostaria de saber, na cultura de machos que prevalece em Cuba, que deu vestidos a um homem (risos). Mas já estou acostumado. Muitas vezes esperam uma mulher negra e se espantam quando apareço.

Sotaque vem do nheengatu, a língua brasileira

Valdir Sanches, Lagoinha (SP)
Estado de São Paulo, 21 de abril de 2008

Caipira é aquele que fala o dialeto caipira. É português, mas com palavras tupi e sotaque da língua brasileira. A língua brasileira é o nheengatu, que existiu no Brasil até ser proibida por Portugal, no século 18. Seu nome parece coisa de índio, e é. O nheengatu incorpora a fala dos índios tupi, que ocupavam o litoral brasileiro. Na verdade, até hoje, quem se refere ao Ibirapuera, fica jururu, come abacaxi ou se pendura num cipó está se expressando nessa língua.

Há algum tempo, quando o ex-presidente Fernando Henrique Cardoso usou a expressão "chega de nhémnhémnhém", estava falando puro nheengatu. No Brasil Colônia, era falada fluentemente em uma grande área do País, que ia de Santa Catarina ao Pará. A elite também se expressava por meio dela, embora não em todos os setores. Durante os processos, o juiz dispunha de um intérprete.

"Tivemos uma língua brasileira até o século 18", diz o professor José de Souza Martins, do Departamento de Sociologia da Faculdade de Filosofia da USP. "Só os portugueses, que eram estrangeiros, falavam português."

A língua foi criada no século 16 pelos jesuítas, destacando-se o Padre Anchieta. O fundador de São Paulo era lingüista. Para se entender com os nativos, classificou o tupi e criou uma gramática da língua geral. Ou seja, o nheengatu. "Uma língua de travessia, não é português, nem índio, eram ambas", diz Martins. O português, nesse caso, era o que hoje chamamos arcaico. Convidava-se uma dona para uma função, em vez de uma senhora para um baile. E dizia-se coisas como agardece (agradece), alevantá e inorância.

Os índios tinham dificuldade em falar palavras portuguesas como os verbos no infinitivo. E também palavras com consoantes dobradas (rr) ou terminadas em consoante. Além disso, colocavam vogal entre consoantes. Mulher, colher e orelha viraram muié, cuié e oreia. De sua dificuldade com o "erre", vem o "pooorta", reflexivo, com a língua tocando o céu da boca. Martins esclarece que "o dialeto caipira não é um erro, é uma língua dialetal". Mais do que isso: "É uma invenção lingüística musical e social."

Os brasileiros viviam muito bem com ela, até que, no reinado de d. José I (1750 a 1771), Portugal a proibiu. O veto veio em um decreto do primeiro-ministro, o Marquês de Pombal. Bania o ensino do nheengatu das escolas. A decisão foi acatada nas salas de aula, mas o povo continuou falando no dialeto caipira. O tempo acabou por impor o português, mas o dialeto puro resiste.

Ainda é falado em alguns pontos da fronteira com o Paraguai. E, em São Gabriel da Cachoeira, no Amazonas, a 860 quilômetros de Manaus, uma lei de 2002 tornou o nheengatu língua co-oficial do município. Na contramão do decreto do marquês, determina que seja incentivado seu ensino nas escolas, e o uso nos meios de comunicação (o tucano e o baniva também se tornaram línguas co-oficiais).

E ficou o "caipirês" da roça. Por essas bandas, ensina Martins, a língua se multiplica. "Quando o novo aparece, o caipira inventa, a partir da matriz da palavra, algo que tem sentido para ele." Há certo tempo, Martins e um grupo de estudantes apresentaram questões a algumas pessoas. Perguntaram a um homem: "Você concorda ou não concorda?" O homem não entendeu. A pergunta foi sendo repetida, sem sucesso, até que um dos estudantes mudou a forma: "Você concorda ou disconcorda?" Deu certo.


Escritor das vanguardas - Mario de Andrade

A importante obra de Mário de Andrade ganha nova edição, revelando um artista inquieto e inquietante, sempre brilhante por apontar novos rumos da cultura

Ubiratan Brasil
Era um homem muito peculiar - alto, lábios grossos, queixo proeminente, testa larga que revelava uma calvície avançada, gestos amplos, voz forte, Mário de Andrade (1893-1945) tinha o dom de reunir as pessoas. De corpo presente, nas inúmeras cartas que trocou ou em sua vasta obra, o escritor compartilhava sentimentos, alegrias e ansiedades, permitindo um enriquecimento intelectual mútuo. Se nem sempre criou textos excepcionais, Mário foi sempre brilhante por apontar novos rumos, como comprova a reedição de sua obra, trabalho agora assumido pela editora Agir.

Serão 29 títulos, iniciados por três essenciais: a rapsódia Macunaíma, o Herói sem Nenhum Caráter, o idílio Amar, Verbo Intransitivo e as crônicas reunidas em Os Filhos da Candinha. 'Até o final do ano, outros oito livros serão relançados', conta Paulo Roberto Pires, diretor editorial da Ediouro (da qual a Agir faz parte), lembrando que cada volume só chega às livrarias depois do trabalho realizado pela Equipe Mário de Andrade do Instituto de Estudos Brasileiros (IEB), verdadeiro santuário onde o arquivo do escritor está guardado, sob a coordenação por Telê Ancona Porto Lopez. O grupo fez vários cotejamentos com as edições publicadas com o autor ainda vivo para, assim, estabelecer a versão definitiva. 'Creio que dificilmente teremos edições mais próximas da vontade o Mário do que estas', comenta Pires.

A disposição dos familiares do escritor em reeditar a obra (da qual apenas alguns volumes esparsos são ainda encontrados nas livrarias) facilitou o trabalho da Agir, que enfrentou uma pequena concorrência de outras editoras até conquistar o direito de dispor dos títulos. Para se medir a importância de tal vitória, um evento vai marcar oficialmente o lançamento dos três primeiros livros.

A partir das 19 horas de segunda-feira, a Livraria Cultura do Conjunto Nacional será palco de uma homenagem a Mário de Andrade. O ator Pascoal da Conceição, cuja semelhança física já o levou a participar tanto de um comercial do Imposto de Renda como da minissérie Um Só Coração interpretando o escritor, vai comandar a festa. Ele também vai ler trechos dos livros.

Para lembrar a imensa e valorosa correspondência que Mário trocou com inúmeros artistas (e que não faz parte deste pacote da Agir), escritores como Marcelino Freire e André Laurentino vão ler seus e-mails fictícios para o autor, como uma homenagem. Os textos são divertidos e confessionais: 'Este é o segundo e-mail que escrevo a você. O outro, apaguei. Sinto que nele eu estava fazendo pose. Numa carta, você mesmo disse, não se deve fazer pose. Devemos estar inteiros em cada sílaba', escreve Laurentino.

Todas as mensagens estarão disponíveis no site em homenagem ao autor de Macunaíma (www.mariodeandrade.net), que entra no ar na noite de segunda. Finalmente, o grupo A Barca apresenta um pocket show, baseado nos registros feitos pelo escritor ao longo de sua vida e durante a Missão de Pesquisas Folclóricas, de 1938.

Obra traz lições de vida e arte

Mário de Andrade trava um diálogo franco com o futuro em seus escritos

Ubiratan Brasil

Se o palco do Teatro Municipal de São Paulo era assolado por vaias e assovios naquela noite de 15 de fevereiro de 1922, no saguão imperava o silêncio. Enquanto prosadores e poetas tentavam ler trechos de suas obras modernistas em meio a gracejos dos adeptos da arte acadêmica e da poesia parnasiana, Mário de Andrade usava de sua voz grossa e gestos amplos para tentar explicar, na ante-sala do teatro, as tendências artísticas contemporâneas. Aqueles dias formaram a hoje conhecida Semana de Arte Moderna, que abriu o caminho para artistas provocadores como Mário de Andrade que, naquele instante, iniciava um destino: o de esclarecer, durante anos, o sentido e os caminhos atuais de diversas artes.

Mário foi um homem irrequieto - prosador, escreveu romances e contos com a dicção do texto modernista; crítico, apontou caminhos estéticos para outros artistas de áreas diversas; pesquisador, viajou pelo Brasil buscando traços folclóricos e musicais de todas as regiões, desconhecidos dos grandes centros. Foi ainda um importante poeta. 'Era um intelectual que se preocupava com os assuntos nacionais, mas sem se limitar ao nacionalismo', observa Paulo Roberto Pires, da Ediouro. 'Mário não tinha preconceito do meio em que vivia e, mandamento número 1 do bom intelectual, era extremamente curioso.'

Macunaíma, por exemplo, 'livro de pura brincadeira escrito na primeira redação em seis dias ininterruptos de rede, cigarros e cigarras', como descreveu o autor em um prefácio, é fruto da união dos melhores elementos da cultura nacional. O herói sem nenhum caráter foi inspirado nas pesquisas do etnólogo alemão Theodor Koch-Grünberg , interessado nos costumes e na tradição oral dos índios que habitam a região onde hoje se delimita a fronteira entre Brasil, Venezuela e Guiana. Foi a partir das lendas dos índios daquela área, os taurepang e os arekuna, que Mário criou Macunaíma.

O escritor sempre se apressava em afirmar que, por conta de sua múltipla nacionalidade, Macunaíma não é genuinamente brasileiro. 'É tão ou mais venezuelano como da gente', escreveu no prefácio, frisando em seguida: 'Não quero que imaginem que pretendi fazer deste livro uma expressão da cultura nacional. Deus me livre.' Afinal, acrescenta ele, há ali uma embrulhada geográfica proposital de fauna e flora. 'Fantasiei quando queria e sobretudo quando carecia pra que a invenção permanecesse arte e não documentação seca de estudo.'

Também a imoralidade da história (além de preguiçoso, Macunaíma tem um insaciável apetite sexual) é rebatida pelo autor. Mário conta que se baseou nas lendas de primitivos em geral e nos livros religiosos. 'Essas literaturas rapsódicas e religiosas são freqüentemente pornográficas e em geral sensuais', defende-se.

Já Amar, Verbo Intransitivo, embora escrito entre 1923 e 1926, foi alvo constante de reescritura até 1944. Na história de um rico industrial que contrata uma professora de alemão cuja função, acima de ensinar a língua, é iniciar sexualmente Carlos, o filho adolescente, Mário incomodou-se com a análise freudiana feita pelos críticos quando do lançamento do livro. 'Carlos não passa de um burguês chatíssimo do século passado (retrasado). É apenas uma apresentação, uma constatação da constância cultural brasileira', escreveu, no prefácio.

Os Filhos da Candinha, por outro lado, reúne crônicas sobre diversos assuntos. Mário o considerava o seu livro mais bem escrito, comparando-o ao 'estilo poético-heróico de Macunaíma'. De fato, embora o crítico e o cronista estejam intimamente entrelaçados, aqui se sobressai o último.

(SERVIÇO)Serviço Lançamento da Edição Definitiva da Obra de Mário de Andrade. Teatro Eva Herz - Livraria Cultura (166 lug.). Av. Paulista, 2.073, Conjunto Nacional.2.ª feira, 19 h. Entrada franca

Os livros, por Mário de Andrade

MACUNAÍMA: 'Depois de pelejar muito verifiquei uma coisa me parece que certa: o brasileiro não tem caráter. Pode ser que alguém já tenha falado isso antes de mim porém a minha conclusão é (uma) novidade pra mim porque tirada da minha experiência pessoal. E com a palavra caráter não determino apenas uma realidade moral não, em vez, entendo a entidade psíquica permanente, se manifestando por tudo, nos costumes, na ação exterior, no sentimento, na língua, na História, na andadura, tanto no bem como no mal.'

AMAR, VERBO INTRANSITIVO: 'O livro está gordo de freudismo, não tem dúvida. E é uma lástima os críticos terem acentuado isso, quando era uma coisa já estigmatizada dentro do próprio livro. Agora o interesse seria estudar a maneira com que transformei lirismo dramático a máquina fria de um racionalismo científico.'

OS FILHOS DA CANDINHA: 'As crônicas juntadas neste livro foram escolhidas de preferência entre as mais levianas que publiquei - literatura. Faço sempre assim porque me parece mais representativo do que foi a crônica para a minha aventura intelectual.'

19 de janeiro 2008, estado de sp

O estigma herdado da escravidão

 
ESTADO DE SÃO PAULO, 25 de novembro de 2007

O estigma herdado da escravidão

Após a abolição vieram trabalhadores brancos e livres, mas dóceis e submissos, com personalidade de escravo

*José de Souza Martins*

Aproveitei o feriado do Dia da Consciência Negra para percorrer e fotografar, emSão Paulo, alguns marcos históricos da consciência branca. Com facilidade nos esquecemos de que a questão racial no Brasil não se resume a racismo nem tem nele sua maior complexidade. Nós nos esquecemos de que a questão do negro não é a da marca de cor, mas a do estigma das relações de trabalho escravo que encontraram na cor a sua mais superficial identidade. Não só a cor do negro africano, de várias origens étnicas, mas também a cor do pardo, o índio de várias origens tribais.

O debate sobre o fim da escravidão não foi um debate sobre a cor do trabalhador que nos cafezais, nos canaviais ou nas estâncias do sul substituiria o negro. A planejada força de trabalho substituta seria branca ou amarela, mas dócil e submissa. Trabalhadores livres com personalidade de escravo era a receita mal disfarçada da política de imigração aos traficantes de mão-de-obra. Os trabalhadores seriam escolhidos a dedo, nas regiões mais pobres e mais atrasadas da Europa, aquelas que ainda não tivessem sido alcançadas pela cultura das reivindicações sociais própria do capitalismo industrial. Procurava-se um trabalhador branco que pudesse trabalhar como negro, dando continuidade a uma modalidade de trabalho que não sofreria significativa mudança com a abolição da escravatura.

Para as áreas prósperas do café foi enviado sobretudo o imigrante europeu, branco, que no eito cumpriria a mesma faina que, até então, fora cumprida pelo negro cativo. Sem contar os muitos negros que continuaram no eito, como não podia deixar de acontecer, fazendo o que já faziam na escravidão. O feitor que supervisionara o escravo negro supervisionava agora o colono branco. A preferência era por imigrantes que viessem com família numerosa e não pelos avulsos; era pelos analfabetos, garantia de trabalho braçal e não de reivindicações sociais e de aspirações de mobilidade social rápida. Eram meios de amansar e manter manso o trabalhador branco e livre. Trabalhador que, não raro, foi morar na mesma senzala em que morara o negro, com a diferença de que as portas para o quadrado interno foram fechadas e abertas portas e janelas para a parte de fora.

A mentalidade escravista não morreu com o fim da escravidão. Mesmo a indústria, marco de uma economia baseada no trabalho contratualmente livre, não foi imediatamente o lugar do trabalho verdadeiramente livre. A indústria, que se difundiu entre nós logo depois da abolição da escravatura, nasceu marcada por formas servis de dominação, o trabalhador sem direitos. O capital, libertado do tráfico negreiro e da imobilização na pessoa do cativo, apenas buscou outros ramos de aplicação. Nas fábricas, a jornada de trabalho era de 12 horas não só para adultos, mas também para crianças. Mulheres e crianças cumpriam jornadas noturnas, mesmo crianças com menos de 14 anos de idade, muito pior do que no cativeiro, em que isso não ocorria. Nessas condições o trabalhador literalmente se tornava matéria-prima do processo produtivo. Escravo, quando morria, era prejuízo. Trabalhador livre, quando morria, não causava o menor prejuízo ao processo produtivo nem ao capital. Os bairros operários eram bairros maciçamente povoados por trabalhadores brancos e europeus imigrados ou filhos de europeus, gente muito pobre. A classe operária não tinha marcas de cor na face. Teve por muito tempo os estigmas invisíveis da disfarçada servidão na personalidade.

Foi num desses bairros operários, no Belenzinho, lugar de minha excursão fotográfica no Dia da Consciência Negra aos monumentos da consciência branca, que o médico carioca Jorge Street (1863-1939) construiu e estabeleceu a fábrica da Companhia Nacional de Tecidos de Juta, que fabricava sacaria para café. Ao lado, construiu a Vila Maria Zélia, uma vila operária. A Vila Maria Zélia, ainda hoje habitada por descendentes dos antigos operários, é um documento arquitetônico de uma consciência empresarial de vanguarda nas relações de trabalho. No confronto com favelas e cortiços de hoje, causa espanto pelo avanço social que já representava. Construída entre 1911 e 1916, expressava o imaginário de um industrial progressista, que tivera educação humanista na Alemanha e acreditava piamente que o lucro de uma verdadeira empresa capitalista vinha do reconhecimento do trabalhador como juridicamente igual porque, como sujeito de deveres, era também sujeito de direitos. Ele entendia que a fábrica era uma comunidade de moradores que trabalhavam juntos na linha de produção industrial. Uma relação romântica que tentava preservar a concepção pré-moderna da conjugação de moradia e trabalho e fazer dela o fundamento de uma concepção socialmente avançada da modernidade.

A esquerda da época, anarquista, denunciava Jorge Street como burguês cínico e hipócrita. Irritava-se porque Street era um industrial que se antecipava às demandas operárias. Os industriais da época também o detestavam porque as sensivelmente melhores condições de trabalho em sua fábrica despertavam aspirações e demandas dos operários das outras fábricas. Pouco depois, em junho de 1917, explodiu a greve geral do operariado, que se alastrou pelo Estado. Reivindicava o que Street já reconhecia como direito. Jorge Street perderia a fábrica em 1923. Acabaria se tornando servidor público e assessor da Fiesp, de que fora um dos fundadores.

A fábrica abandonada, após a Intentona Comunista, no Rio de Janeiro, em 1935, seria transformada em presídio político, o presídio Maria Zélia. No presídio, os filhos insubmissos da elite paulista acabaram se encontrando com os proletários dos bairros pobres e fabris de São Paulo: Caio Prado Júnior, Paulo Emílio Salles Gomes, Pagu, numa lista grande. Na cadeia, Paulo Emílio criou o provisório teatro político do Maria Zélia. Pelas bucólicas ruas da velha vila operária, naquela tarde de céu azul de 20 de novembro, soprava uma brisa de insubmissa liberdade incolor.

*José de Souza Martins é professor titular de Sociologia da Faculdade de Filosofia da USP

Escola pública na teia do atraso

Gaudêncio Torquato , JORNAL Estado de SP, 20 abril 08

  Primeiro flagrante: mais de 60 milhões de brasileiros - cerca de um terço da população - estão em salas de aulas. Esta é a soma do contingente de 55 milhões de alunos do ensino básico com grupamentos do ensino profissional, da graduação e da pós-graduação. À primeira vista, uma estatística de Primeiro Mundo. Segundo flagrante: o ensino básico atravessa a maior crise de sua história. Milhares de alunos concluem a quarta série sem saber ler nem escrever, muito menos fazer contas. Terceiro flagrante: 33 milhões de brasileiros são capazes de ler, mas não conseguem entender o significado das palavras. São analfabetos funcionais. Quarto flagrante: o ministro da Educação, Fernando Haddad, ao atestar a baixa qualidade do ensino médio, expressa conformismo: "A escola que temos é melhor do que sair da escola." A educadora Maria Helena Guimarães de Castro, secretária de Educação do Estado de São Paulo, vai direto ao desfecho: "Não há alternativa à educação de qualidade." As indicações mostram que o Brasil está condenado a rastejar na sombra de países que fazem da educação a locomotiva do progresso, como Reino Unido, Finlândia, Eslovênia, Suécia, Canadá, Japão e Coréia do Sul.

A crise da educação básica é um fio esgarçado que prende o País à teia do atraso. Pior é que isso ocorre num momento em que as condições para a decolagem nunca foram tão propícias. Discurso sobre a melhoria da qualidade do ensino é o que não falta na boca de governantes e de educadores. Dinheiro há. A lei obriga Estados e municípios a investirem em educação 25% de seus orçamentos, enquanto a União deve aplicar, no mínimo, 18%. Se a lei não é cumprida, isso é outra história. Ademais, o governo proclama que sua rede social é a maior, de todos os tempos, em tamanho. Por acaso a educação não integra a rede? A indagação procede: por que a pujança econômica, exibida como triunfo do governo petista, não puxa o enferrujado trator educacional? O que falta para se fazer a "revolução" na sala de aula? Porque esse menu, como se diz no Nordeste, tem "muita farofa e pouca sustança". A fachada da nossa cultura é de areia sem cimento, o que a transforma numa "cultura de fachada".

A índole do povo, como alguns apontam, é a raiz da crise. O sentimento de liberdade, inerente à alma brasileira, seria, assim, incompatível com o arcaísmo do ensino do bê-á-bá. A aula-padrão quadrada, lousa, giz e saliva perdem eficácia diante de cognições mais sensíveis à estética. O próprio ministro Haddad - graças aos céus, caiu na real - levanta a hipótese de um país mais ligado à imagem do que à leitura, motivo pelo qual seu Ministério organiza amplo programa de informatização. O fato é que a escola pública, modelo de qualidade em países como a Inglaterra, é entre nós a cara da ruindade: desaparelhada, sujeita à violência, professores ausentes, parcos salários, gestão improvisada, falta de assessoramento pedagógico. As autonomias se esfacelam diante da rígida hierarquia. Ao fundo, o patronato político ainda tira lasquinhas com a nomeação de quadros dirigentes.

Por onde começar o redesenho? Pela concepção de uma nova escola, integrada ao tempo e ao espaço, capaz de construir pontes entre aluno e seu meio. Uma escola de formação para a vida. Sabe-se que a falta de conexão entre o estudante e o mundo é responsável por altas taxas de evasão. Segundo o Pnad-2005, 97% das crianças de 7 a 14 anos estavam matriculadas, mas apenas 41% dos jovens de 15 anos concluíram o ensino fundamental. E mais: 34% dos alunos de 10 anos sofreram atraso escolar, chegando esse índice aos 55% na idade de 14 anos. Como se aduz, a exclusão começa na própria escola. A escola pública se depara com uma montanha de obstáculos. As grades curriculares não contam com a participação da sociedade, deixando de incorporar novas fronteiras do conhecimento. Inexiste uma base curricular comum no território, impossibilitando a integração de conteúdos. Muitos dos 2,5 milhões de professores de educação básica, lecionando nas 200 mil escolas públicas do País, ainda não tomaram conhecimento de que o Muro de Berlim desmoronou. O desestímulo espanta. Só em São Paulo, cerca de 30 mil professores faltam diariamente à rede de ensino. E 70% dos formados em licenciatura no País não querem dar aulas.

A descontinuidade administrativa trava experiências. Somos um país que preza experimentações isoladas. Mas ações fragmentadas não ajudam a agregar qualidade. A ausência de compartilhamento entre modelos gera uma anatomia educacional como a do queijo suíço, cheia de buracos. Por último, uma questão de fundo ideológico: o conceito da educação para a cidadania, tão enfatizado por Norberto Bobbio. Certos governantes preferem cidadãos passivos a ativos. Eles são depósitos de votos a favor, retribuindo migalhas recebidas. Já os cidadãos ativos filtram a água contaminada por vasos eleitoreiros. Parece incoerente o fato de que o Brasil estica o cordão da cidadania passiva, quando pelos dutos da educação corre um sangue inovador saído das veias de lídimos educadores como Anísio Teixeira, Paulo Freire e Darcy Ribeiro.

Nos desvãos da escola pública reprovada se edificam estátuas de populistas. Sob seus escombros se desenha o status quo. Não queremos afirmar que seja essa a intenção do atual governo. Confiemos na boa intenção do ministro Haddad. Remanesce, porém, a impressão de que há muito esforço para o distributivismo bolsista e falta vontade para desobstruir os gargalos da educação básica. Sobre um penhasco de Engadine, nos Alpes, refletindo sobre as correntezas rebaixadoras, Nietzsche gritava: "Vejo subir a preamar do niilismo." É o que estamos a ver nas águas turvas do ensino básico. Neste fim de semana, governadores, educadores e empresários tentarão responder no 7º Fórum Empresarial em Comandatuba, na Bahia, a uma inquietante pergunta: "O Brasil pode esperar por uma educação pública de qualidade?" Aventuro-me a responder: difícil, para não dizer impossível. Falta, sobretudo, vontade para tanto.

Gaudêncio Torquato é jornalista, professor titular da USP e consultor político

Page turners - THE GUARDIAN

Before the 20th century, artists were subservient to authors in the creation of books, but that changed with the birth of the livre d'artiste, or artist's book. Since then, texts have been cut open, painted over, burnt and locked up. Blake Morrison browses through novel works by Henri Matisse, Joseph Cornell and Paula Rego

Saturday April 19, 2008
The Guardian


Blood on Paper at the V&A: Damien Hirst's I want to spend the rest of my life everywhere, with everyone, one to one, always, forever, now
Speaking volumes ... Damien Hirst's I Want to Spend the Rest of My Life Everywhere, With Everyone, One to One, Always, Forever, Now. Photograph: Nigel Young/ © Damien Hirst and Booth-Clibborn Editions 1997
 


When Joyce discovered that Matisse was to illustrate Ulysses for an American limited edition, he asked a friend in Dublin to hunt down visual material evoking the atmosphere of the city in 1904: "He knows the French translation very well but has never been to Ireland," Joyce explained. In the event, no suitable material was found, and Matisse went about the task in his own way, which was far from the way Joyce had intended. When asked why his illustrations had little or nothing to do with the novel, Matisse replied that he had based his ideas on Homer's Odyssey instead. Joyce said he thought his daughter Lucia a better artist anyway.

The story exemplifies the uneasy relationship between authors and artists. To authors, the text is sacrosanct, and any accompanying visuals - whether on the cover or the page - are there to serve it. To artists, the text is only one of several considerations: colour, shape, design, texture and technical innovation are at least as important. Sometimes, the artist seems so oblivious to the text that it may as well be in a foreign language (occasionally, it is in a foreign language). Even artists who feel a strong rapport with the author will have to focus on isolated phrases or episodes, since it is impossible to encompass a whole narrative or unpack all the ambiguities of a poem. That's why authors can be less than thrilled when a Matisse, Picasso or Damien Hirst collaborates on an illustrated edition. The problem isn't so much competing egos as conflicting agendas.

For readers, too, illustration can seem limiting or intrusive. Part of the fascination of a book lies in the mental pictures it evokes: we "see" such and such a character or episode. So when an artist's vision doesn't correspond to our own (how could it?), there is a curtailment rather than an extension of the imagination.

Yet drawing and writing developed alongside each other, as forms of representation and self-expression. And when authors and artists are inspired by the same subject matter, and come at it from different directions - "dealing with it twice within the covers of one volume," the American critic Monroe Wheeler put it, "as if in free enthusiasm author and painter had each created alone" - the rewards can be rich, with the images enhancing our appreciation of the text and the text pushing the artist in surprising new directions. This harmonious ideal has rarely been achieved: no union of word and image can surpass the Songs of Innocence and Experience, in which Blake collaborated with himself. But relations between the two camps haven't always been hostile. When Delacroix produced his illustrations for Faust in 1828, Goethe, unlike most contemporary critics, was enthusiastic - not just because the young painter had bothered in the first place (Goethe was nearly 80 by then), but because he depicted the protagonists so vividly.

What has slowly changed over time is artists' involvement in the process of creating and producing a book. In the 19th century, they were regarded as subservient, their job being to supply a graphic paraphrase to the text. This isn't to say imaginative interpretation was ruled out: in John Martin's mezzotints for Paradise Lost, say, or Manet's lithographs for Poe's "The Raven" (as translated by Mallarmé), the artist reinvents or reinvigorates the original. Gustave Doré, William Morris and Aubrey Beardsley also produced striking work. But the freedom of the artist, coming second to the author, was necessarily constrained. At best, artists were junior partners, employed to furnish pictorial comments; at worst, they were hired hands, their work shrunk or cropped to fill pre-allotted spaces. The label "hack" was unfair when applied to men such as Phiz or Cruikshank (who illustrated Dickens), but successful painters of the period tended to see book illustration as a sideline, to be resorted to only for money.

All that changed, dramatically, in the 20th century, with the notion of the livre d'artiste - a book in which the artist takes precedence, sometimes even to the extent of being responsible for text as well as image. The French invented the term and established the form; the Americans arrived later, joining in only after the second world war. But whatever its origins, the artist's book, or artists' book (or even, as it is sometimes designated, "artists book", with no apostrophe), is now an accepted part of the cultural landscape of the past century. Having already featured in monographs, teaching programmes and at least one major exhibition - at New York's MoMA in 1995 - it is now the subject of a show at the V&A.

Definitions of the livre d'artiste vary. The genre encompasses a wide range - albums, anthologies, manifestos, sketchbooks as well as deluxe editions. Computers and internet publishing are pushing back the boundaries still further. But there is a consensus that these are works of art conceived in book form, rather than texts with pictures. Words inspired them, and words are integral to them, but they are to be treated primarily as art objects, and it is the role and reputation of the artist that gives them value.

Gauguin's unpublished Noa Noa, which recounts and illustrates his impressions of Tahiti, is one of the earliest examples of the artist's book; Toulouse-Lautrec's homage to the Parisian performer Yvette Guilbert (with a text by the journalist Gustave Geffroy) is another. But the key figure in the development of the form was the art dealer Ambroise Vollard, who commissioned and published, among others, Bonnard, Rouault, Picasso and Chagall. Vollard had come to Paris from Mauritius and was hugely keen to make his mark. Only a handful of his projects saw the light of day, and after some awkward experiences with living authors he encouraged his artists to hook up with safely dead ones. Other publishers, notably Daniel-Henry Kahnweiler and Albert Skira, could claim to have contributed more. But Vollard did help create the ultimate parallel text, Parallèlement, in which Bonnard's erotic lithographs were played off against Verlaine's sensuous verse.

The cubists and surrealists went further in breaking down easy correspondences between picture and text. In Miró's Parler Seul, there is no obvious relationship between the brightly coloured semi-abstract figures and the poems by Tristan Tzara that they surround; each artist speaks for himself, in isolation. But even the surrealists did little to alter the idea of the book as a codex - a bound volume in which pages can be turned. The man who challenged that convention was Joseph Cornell, with his cardboard boxes containing words, papers, inventories, name tags and found objects. Each box is given the title of a literary classic (The Three Musketeers, Paul and Virginia, etc), but the original is reduced to a heap of fragments and severed from its original context. With their use of cut-ups and collages, Cornell's boxes are not there to be read so much as rooted through, like an old trunk in the attic.

Still, even Cornell seems timidly conventional and literary alongside some of the artists exhibited at the V&A. Cai Guo-Qiang, for instance, mixes paste and gunpowder to illustrate his Danger Book, and tempts the reader (viewer?) to test the work's explosiveness by pulling a string that will ignite it: "Be careful of books" is the message. Anselm Kiefer's The Secret Life of Plants, a 6ft-tall sculpture of splayed pages in oil on lead on cardboard, explores the idea of literary permanence: the solidity of the piece and its references to astronomy suggest that books (like the heavens) will last for ever, the perished edges of the pages that (like plants) all books have their season then die. Anthony Caro's sculptures in brass, bronze and stainless steel, with poems by Hans Magnus Enzensberger and passages from Shakespeare secreted inside their folds, are less ambiguous: as books cast in metal, they celebrate durability.

If such sculptures remind us that books are tactile, the majority of the exhibits here remain agonisingly untouchable, under glass. In this, artists' books resemble not the hardbacks or paperbacks most of us read, but ancient manuscripts; only the privileged few (researchers, archivists and curators) are allowed to get their hands on them. Catalogue descriptions add to that sense of exclusion: the inventories of white Eskulan paper mounted on to a concertina of linen and hand-sewn with hemp, or of bindings in Nigerian goatskin or red Morocco cloth, are reminiscent of Bruce Chatwin at his most precious. Unless you are fetishistic about books, and know what's meant by drop-spine boards, slip-cases, endbands, archival dyes, mould-made paper, pochoirs, foil blocking, bifolia and "fascicules", you can end up feeling left out.

But not all artists' books are aimed at rich collectors or white-gloved connoisseurs. In the 1960s, the American artist Edward Ruscha produced a series of booklets in unnumbered editions, intended to be sold cheaply in supermarkets and drugstores. They consisted of black-and-white photographs showing different examples of humdrum American locations: 26 gas stations, 34 parking lots, nine swimming pools, the buildings along Sunset Strip. Dieter Roth and Sol LeWitt (also in the V&A show) produced work in a similar spirit. Many small, independent publishers sprang up, putting out art in pamphlets and on postcards in a dream of subverting the establishment and achieving Malraux's goal of a "museum without walls". In place of the deluxe art book came the "democratic multiple", available to all.

In truth, most books are democratic multiples these days, and have been since Allen Lane founded Penguin; it is only artists' books that come in tiny editions at astronomical prices. But some artists have found ways to widen their audience without compromising high standards of book production. Tom Phillips's A Humument - which took a Victorian novel by WH Mallock and covered the pages with images, leaving odd phrases exposed to create a new text - began life as a one-off work valued at £20,000, was issued in a limited edition and then became a trade hardback; my copy of the revised edition in 1987 cost £12.95, not an exorbitant sum even then. Publishers such as Redstone and Enitharmon have also produced beautiful volumes at affordable prices, with the latter initiating some fascinating partnerships between poets (Heaney, Gunn, Hughes, Pinter) and painters (Kitaj, Pasmore and Rego).

There have been so many intriguing collaborations - Howard Hodgkin and Susan Sontag, David Hockney and CP Cavafy, Louise Bourgeois and Arthur Miller - that it must have been hard for Rowan Watson, who co-curated the V&A exhibition with the art publisher Elena Foster, to decide which artists' books to include and then, having chosen, which pages to put on display. Unbound pages allow room to manoeuvre, but with most volumes, all you can show in a display case is a double-spread or diptych. When the book is as substantial as Miró's Le Courtisan Grotesque, Paula Rego's version of Jane Eyre or Balthus's Wuthering Heights (bound in goatskin dyed grey-green to "evoke the Yorkshire moors"), it is frustrating not to be able to leaf through. At least with Francis Bacon's Detritus, the problem doesn't arise. This is not a book, but a leather suitcase (in fact, one of an edition of 25 suitcases) containing 76 items found in the chaos of the artist's studio. With the suitcase lid open, and Bacon's bric-a-brac scattered about the display case, we get a sense not just of mess, but of method - the way Bacon worked and thought.

When Tom Wolfe called his polemic on modern art The Painted Word, he was thinking not of artists' books, but of post-1945 abstract expressionism and its enshrinement of theory and text. Some of the exhibits in the V&A show share this tendency: they are more think-pieces than artworks, designed not to please us as art or literature, but to challenge beliefs we hold dear. For instance, that "getting lost" in a book is good for us (on the contrary - we should stay alert to the book as an object). Or that books exist to be read (not always: they can also be worshipped as icons, as with the Bible or the Qur'an, or Mao's Little Red Book). Or that you can't judge a book by its cover (you can if it is an artist's book by Miró or Roy Lichtenstein).

The exhibition isn't restful on the eye, or the brain, but with its suitcases, boxes, cabinets, installations, performance pieces and specially commissioned sculptures, it is refreshingly free of bibliophiliac solemnity. And, though seeing books cut open, burned or simply locked up is a shock, most of the artists here seem to hold them in quasi-religious awe. The show also has a come-on title, Blood on Paper, which works on various levels: as a running motif that culminates in Anish Kapoor's lacerated paper sculpture, Wound; as a reference to the colour red, much used by illustrators in the days of scribes and the immediate post-Gutenberg era; and as a reminder of the passion with which many artists have worked on books - not least Matisse, who, notwithstanding his cavalier treatment of Joyce, said it took him "10 months of effort, working all day and often at night", to finish the artwork for Henri de Montherlant's Pasiphaé to his satisfaction.

"He who wants to dedicate himself to painting should start by cutting out his own tongue," Matisse also said, and it's true that when artists use language, which isn't their first medium, the results can be less than happy. Peter Doig's current exhibition at Tate Britain was almost ruined for me by one of his titles: Reflection (What Does Your Soul Look Like?). And I find it hard not to think less of Damien Hirst, another contributor to the V&A show, for calling one of his pieces I Want to Spend the Rest of My Life Everywhere, With Everyone, One to One, Always, Forever, Now. But not all artists revel in inarticulate rapture. And some, such as Tom Phillips and Rego, are excellent readers, finding new meanings in old texts.

When Matisse did use his own words, in his book Jazz, he asked that they be read "in the indulgent spirit generally accorded the writings of a painter". He also said that they were there only to separate the colour plates, "as asters add to the composition of a bouquet of more important flowers. Thus their role is purely visual." [His italics.] Actually, Matisse's words in Jazz aren't half bad. But what makes the book speak to the reader is the exuberance of its colour. Fittingly, the two pages from Jazz on display at the V&A include no words at all.

· Blood on Paper: The Art of the Book is at the Victoria and Albert Museum, London SW7, until June 29. Box office: 0870 906 3883.




Dicionário Bilíngue(inglês/português) de provérbios e palavrões

outra matéria guardada na bagunça dos meus arquivos...

Letras expressas

Dois dicionários bilíngues recém-lançados vertem provérbios e palavrões da língua inglesa e apontam para a maior profissionalização do setor no Brasil

IVO BARROSO
ESPECIAL PARA A FOLHA - 3 abril 2005



No eruditíssimo prefácio que escreve para o "Dicionário de Provérbios Inglês-Português/Português-Inglês", de Roberto (e Helena da Rosa) Cortes de Lacerda, o lexicógrafo Agenor Soares dos Santos discorre sobre a abrangência do conceito de provérbio, mostrando as áreas limítrofes com seus afins: os adágios, as frases feitas, as máximas, os anexins, as expressões idiomáticas, os símiles e as metáforas.
Mesmo ignorando as sutis distinções entre esses termos, a verdade é que, para o leitor de língua estrangeira e mais ainda para o tradutor, é preciso que a campainha do "desconfiômetro" funcione sempre ao surgir um deles, para que não se entenda ao pé da letra tudo o que vem escrito e se encontre um equivalente, um substituto, uma correspondência em nossa língua, que restitua ao termo ou frase o verdadeiro tom e sentido com que se apresenta no original. O sábio Antônio Houaiss chamava de "isotopias" essas substituições às vezes audaciosas para criar ou encontrar, em outra língua e sob outra forma, a correspondência tradutória perfeita de uma frase, conceito ou expressão.
Assim como nos manuais didáticos os tradutores aprendem que as citações bíblicas não devem ser traduzidas diretamente, mas transpostas segundo uma edição autorizada da Bíblia, também no caso dos provérbios incumbe encontrar um referencial compatível para essas transposições. Cabe dizer que esse manual de consulta se tornou agora disponível, ficando o problema da tradução de provérbios em inglês amplamente resolvido com a ferramenta indispensável deste dicionário.

Esforço de pesquisa
Sua origem, ou talvez sua seqüência lógica, pode ser encontrada em outra obra dos mesmos autores (coadjuvados por Estela dos Santos Abreu e Didier Lamaison): o "Dicionário de Provérbios Francês-Português-Inglês", lançado em 1999 pela Lacerda e ampliado em 2004 numa edição da Unesp. A reformulação ou a criação dessa nova estrutura lexical, no entanto, ganhou "momentum" para quem lida apenas com o idioma inglês -"a língua predominante do mundo moderno", nas palavras do prefaciador -ao propiciar mais agilidade e objetividade na forma de dicionário reversível.
Com o campo lingüístico circunscrito a um único idioma -decerto não pelo vezo itamaratiano de "eliminar" o francês-, a consulta se faz, no caso, imediata, dispensando o passeio inicial pelo espantoso elenco levantado por Dider Lamaison ou a prévia consulta aos índices complementares, que dão às outras edições um caráter de abrangência compatível com trabalhos de maior envergadura.

Tom proverbial
Além do minucioso esforço de pesquisa e compilação, louve-se nos autores a capacidade de ter criado provérbios "semelhantes" em português sempre que não encontravam uma equivalência preexistente, o que permitirá aos tradutores manterem o tom proverbial das citações, em vez de transcrevê-las literalmente, o que em geral só empobrece o texto.
É o caso, por exemplo, de "better the devil you know than the devil you don't know", que o prefaciador viu traduzido por um inexpressivo "melhor o diabo conhecido que o diabo desconhecido" e para o qual os autores conseguiram cunhar o belo símile: "Mais vale estrada velha que vereda nova". A ele, pois, tradutores e leitores em geral: mais vale um dicionário de provérbios à mão que dez suposições voando.
O aliciante mercado que se escancarou para os tradutores brasileiros com a multiplicação dos canais de TV a cabo -pelos quais transitam cerca de 1.500 filmes por mês, fora documentários, entrevistas, séries cômicas e quejandos provocou, a princípio, uma onda de ofertas de mão-de-obra não-qualificada que por uns tempos empulhou e confundiu os telespectadores.
Oferecendo-se a preços de liquidação, estudantes e aposentados, com sumárias noções de inglês, passaram a traduzir para esse novo mercado, que lhes parecia pouco exigente, o que provocou uma inundação de impropriedades, traições, absurdos, que atestavam o grau de incapacidade desses tradutores e o nível de aceitação pacífica do público. A velha Birmânia desapareceu do mapa dando lugar a Burma; Gênova, a terra de Colombo, aparecia então como Gennes; o rio Reno tornou-se o Rhin, e até o velho Platão aplastou-se num anônimo Plato.
Sem falar nos descalabros da tradução de frases idiomáticas ou em construções semânticas mais rebuscadas, que eram transpostas ao pé da letra ou simplesmente omitidas ou massacradas pelos tradutores. Nas legendas dos filmes passou de repente a "chover gatos e cachorros" no Brasil e, numa peça de Shakespeare, por exemplo, a palavra "subject" (súdito) surgia como "um sujeito", pouco faltando para ser transposta como "um cara".
Por sorte, houve a reação de telespectadores mais exigentes e da crítica especializada de televisão em geral, e hoje pode-se dizer que o nível das traduções (de filmes, por exemplo) é bastante boa e, em alguns casos, até mesmo elogiável. E louve-se a iniciativa (prática que já vinha sendo utilizada na Europa há decênios) de colocar nos créditos o nome do tradutor das respectivas produções, o que lhe atribui ao mesmo tempo o mérito e a responsabilidade do que foi traduzido.
Um problema, no entanto, persiste: o da gradação ou tom do vocábulo empregado. Como andamos numa onda de liberação geral, os nossos "legendários" resolveram pegar pesado e traduzir, com todas as letras, palavras que eram antes consideradas tabus. É claro que não estamos mais nos tempos em que precisávamos grafar m... ou nos referirmos a Cambronne para traduzir a "shit" que aparece na linguagem vulgar do cinema.
Mas há que atentar para a adequação do termo no contexto em que é empregado, pois em muitos casos esse "shit", por exemplo, corresponderá simplesmente a "droga!", e não à hoje (de)liberada merda. Carregar de propósito nas tintas, engrossar as falas mais do que se comportam na língua original é incorrer nos grosseiros deslizes dos tradutores que chovem cachorros ou fazem vênias aos sujeitos reais.

Terreno pegajoso
O "Dicionarinho do Palavrão & Correlatos Inglês-Português/Português-Inglês", de Glauco Mattoso, que acaba de sair em edição revista e aumentada, é um laborioso trabalho de pesquisa num terreno no mínimo escorregadio e pegajoso e, sem dúvida, um prato feito para os tradutores de filmes apimentados. Seguramente, todos os palavrões de ambas as línguas foram ali arrolados, com suas dezenas e mesmo centenas de sinônimos e variantes.
Seu manuseio, no entanto, requer algum cuidado. O tradutor dispõe ali de um fornecimento, por assim dizer, "no atacado", mas compete à sua experiência e sensibilidade proceder à necessária triagem e seleção para encontrar a equivalência de tom compatível com o que traduz.
Não se trata de puritanismo démodé, mas nada é mais desagradável do que ouvir um personagem dizer uma palavra quase banal em inglês e encontrar na legenda uma tatarana flamejante. Um dicionário sem dúvida útil aos tradutores, já que em geral essas palavras não se encontram compendiadas nos léxicos tradicionais. Mas, cautela!, diante dessa ampla varredura de Mattoso, vocês podem escorregar em ouriços que nem os mais desbocados millers e bukowiskis ousariam perpetrar.


Ivo Barroso é poeta e crítico, autor de "A Caça Virtual" (Record). Traduziu, entre outros, Arthur Rimbaud.

Dicionário de Provérbios Inglês-Português/ Português-Inglês
537 págs., R$ 99,00 de Roberto Cortes de Lacerda e Helena da Rosa Cortes de Lacerda. Ed. Campus/Elsevier (r. Sete de Setembro, 111, 16º andar, CEP 20050-006, Rio de Janeiro, RJ, tel. 0/xx/ 21/3970-9300).
Dicionarinho do Palavrão & Correlatos Inglês-Português/ Português-Inglês
315 págs., R$ 23,90 de Glauco Mattoso Ed. Record (r. Argentina, 171, CEP 20921-380, Rio de Janeiro, RJ, tel. 0/xx/21/ 2585-2000).

Does melancholy literature deepen depression?

 
Literature about this grim condition has a long and impressive pedigree, but I sometimes wonder what it's all for

Nicholas Lezard

Nicholas Lezard

January 15, 2008 3:52 PM

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Bleak outlook ... depression over Managua, Nicaragua. Photograph: Esteban Felix/AP


About the only thing we know in this country about the French writer Henry de Montherlant is that he came up with the phrase "happiness writes white" - in other words, you quite simply don't feel like writing, or such writing makes no impression, if you're feeling fine. (Songwriting is exempt from this, I suppose, or the Beatles would never have been able to compose I Feel Fine).

Montherlant, incidentally, and so you can now double the number of things you know about him, died in 1972 after taking cyanide and shooting himself in the head, an impressive belt-and-braces approach to suicide which I should bear in mind when the time comes.

Not that depression is a laughing matter. Knowing a little bit about it myself, I have no wish to make light of this horrible condition. But still, you can't help noticing that there are an awful lot of books about depression out there. Being in the biz myself, I obviously know quite a few writers; but I know about five alone who have written about either depression, or the genre's close cousin, the I-Stopped-Drinking/Taking-Drugs-Just-in-Time book. I was recently told that a book I had reviewed was now "top of Amazon's Alcohol and Drug Abuse chart". (The book - Tania Glyde's Cleaning Up: How I Gave Up Drinking and Lived, is actually very good, and I recommend it even if you're not an alcoholic.) I had no idea that there was such a chart. And lo, it turns out that there is also a "depression" chart. Just looking at it is enough to put you a bit down in the dumps.

The funny thing, if there is a funny thing, is the pull these books have even upon the healthy. Reading is an empathetic and a sympathetic process: I had to stop reading James Salant's Leaving Dirty Jersey - "a crystal meth memoir" - because it made me feel like a crystal meth addict, and I've never touched the stuff.

And when I read an extract from Sally Brampton's forthcoming Shoot the Damn Dog (Elle magazine founder gets terrible depression), I felt the strong gravitational pull of misery: "With it came an overwhelming sense of loss, on top of all the others. I was crap at my job, I was crap at marriage, I was crap at love. I had lost at them all. A good friend had died. I had lost her too. And depression, as many experts have pronounced, is almost always about loss. I did not know that at the time."

Well, we know now.

But we have known it since 1621, when the first edition of Robert Burton's Anatomy of Melancholy came out. This is the verse that concludes the opening Abstract of Melancholy, and you won't be able to find a better summary of the condition:

I'll change my state with any wretch,
Thou canst from gaol or dunghill fetch;
My pain past cure, another hell,
I may not in this torment dwell!
Now desperate I hate my life,
Lend me a halter or a knife;
All my griefs to this are jolly,
Naught so damn'd as melancholy.

The problem is that Burton's massive, continually-expanding work, which in its way is actually an almost complete history of knowledge up to the time of writing, did not save him from dying by his own hand. And sometimes I wonder whether or not these books encourage those who waver, like adolescents listening to emo music, between genuine and willed depression. So, what I'd like to know is: do these books help?